Elodie Ferré est artiste peintre et illustratrice installée en Touraine. Depuis ses années de collège le dessin est devenu une passion incontournable. Elle poursuit un parcours académique en Philosophie-Lettres, Arts Plastiques à Blois, et Histoire de l'Art à Tours, tout en explorant l'art de la calligraphie appliquée et de l'enluminure. Son travail artistique a été reconnu par plusieurs prix en France et à l'international, notamment au Tokyo Metropolitan Art Museum en septembre 2024.

Les arbres, sources inépuisables d'inspiration, occupent une place centrale dans son œuvre : arbres aux ramures expressives, feuillages stylisés et poétiques. Son travail mêle l'aquarelle et l'encre, le trait au geste. À travers ses compositions elle explore la spontanéité du mouvement et la beauté discrète de ce qui pousse, respire ou se transforme. Ses arbres deviennent alors figures de résilience et d'ancrage, des liens entre le visible et l'invisible

Son style épuré librement inspiré par l'Art du Sumi-e, invite à ralentir, observer, ressentir. Loin des effets, son travail va à l'essentiel : la beauté silencieuse du vivant.

Elodie propose ainsi une immersion dans les cycles du vivant — la croissance, la fragilité, l'harmonie. Les arbres, figures essentielles et familières, y apparaissent à la fois puissants et vulnérables, témoins de l'équilibre délicat de notre environnement.

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À 15 ans, je suis entré à l'atelier de Sèvres à Paris, où j'ai également travaillé comme staffeur pendant 15 ans. Depuis 2012, je suis de retour à la peinture, installé à Bayonne où je travaille comme artiste peintre et dessinateur illustrateur. J'ai une vraie passion pour l'encre de Chine, un outil qui me fascine par sa rapidité de séchage et la dynamique qu'il crée.

« Cela sèche très vite, et ça donne un rythme, une énergie particulière. »

Dans mes toiles, je laisse vivre des personnages divers, des musiciens, des femmes, tous habités d'une sensualité et d'une poésie intenses. Mon travail de peinture et de dessin est avant tout une invitation à toucher les cœurs.

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Né en 1976 à Melun, mes premiers contacts avec les arts visuels débutent lors de mes études universitaires d'histoire et d'archéologie à Tours où je fréquente de plus en plus régulièrement le cinéma d'Art et d'Essai de la ville. J'y découvre, avec émotion, le cinéma muet d'Eisenstein puis celui, parlant, de Tarkowsky, de Renoir ou encore de Kubrick.
Fortement impressionné, des études de photographie se sont dès lors imposées et m'ont amené vers l'obtention d'un CAP par alternance en 2002.
A cette même époque, la fréquentation assidue des musées m'amène enfin à me découvrir une vraie passion pour la peinture. Au cours d'une visite au Musée d'Orsay, j'ai eu un choc en découvrant « Chaumière à Cordeville » de Van Gogh, stupéfait par la manière dont le peintre arrivait à rendre vivante la matière.
Des lectures sur l'histoire de l'art et la vie des peintres (Picasso, Bacon, De Kooning, De Staël) vont alors m'éclairer sur le processus de création et m'inciter à suivre des cours en 2004. L'enseignement de Dominique Chauveau, diplômé de l'École Nationale des Beaux-Arts de Paris et qui a obtenu le prix Velasquez, m'a notamment appris l'importance de la spontanéité et de la rapidité d'exécution ; ce dernier insistait également sur la nécessité pour le peintre de se laisser porter par son sentiment face au réel.
Après deux ans d'apprentissage, j'ai décidé de prendre mon indépendance en peignant seul. En 2008 j'ai eu envie d'exposer mes peintures afin de les confronter au regard des autres, d'abord à l'invitation d'amis dans des expositions collectives, puis au printemps 2013 avec une première exposition personnelle.

Je partage avec des peintres de la Renaissance à nos jours – tels que Michel-Ange, Tintoret, Le Gréco, Caravage, Vélasquez, Rembrandt, Rubens, Fragonard, Géricault – le goût de la représentation de la chair ainsi que leur préoccupation de la rendre incarnée. La figure occupe ainsi une place essentielle dans ma recherche, prolongée par celle sur le paysage.
Après avoir pratiqué de nombreuses séances de modèles vivants et de natures mortes jusqu'en 2009, j'ai entrepris de peindre des figures au moyen seul de mon imagination, afin de me libérer davantage du réel. Bacon affirmait l'importance de l'observation de la matière sur le support et du geste capable de tout chambouler en cours d'exécution, tout en soulignant l'aptitude de l'artiste de capter ses sensations, de les amplifier pour toucher directement le système nerveux. 

Tél: 06 75 01 06 79

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Notre monde va vite. Il est bruyant, saturé, anxiogène. Dans ce contexte, je fais le choix de sculpter le silence. Mes sculptures sont des objets porteurs de paix : elles cherchent à instaurer autour d'elles un espace de calme, de contemplation, un retour au temps long et à notre rythme vital.

Inspirées de la nature et des éléments — les courants, le souffle, l'eau —mes pièces sont épurées pour converger vers l'essentiel. Je veux amener l'observation et le dialogue en travaillant des polarités : courbes et tensions, pleins et espaces négatifs, le tangible et l'intangible, le noir et le blanc. Dans ces complémentarités naît une poésie sobre et sensible.

Ce projet sculptural est aussi une trajectoire personnelle. J'ai appris à maîtriser les lignes, les galbes et la lumière dans les studios de design automobile de Peugeot et Aston Martin, puis j'ai exploré la préciosité et la dimension abstraite et irrationnelle de l'être humain dans les départements d'innovation de la Maison Cartier. J'ai choisi la sculpture pour ce qu'elle procure à celui qui la regarde. Le rapport à l'œuvre est très physique. Mes pièces sont des propositions ouvertes: elles entrent en relation avec l'espace qui les entoure, et résonnent avec nos fors intérieurs. Poudre de marbre récupérée sur les sites d'extraction de Carrare, matériaux biosourcés, bronze coulé à la cire perdue dans une fonderie d'art française — chaque matériau est choisi avec soin dans une démarche d'éco-responsabilité.

Je souhaite que mes sculptures nous rappellent ce qui fait notre beauté d'être en vie. Le silence comme langage, la contemplation comme résistance et persévérance à rester profondément humains..

Tél : 06 60 89 22 83

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https://marie-bois.com/

L'âme au bout du pinceau

Pour moi, l'abstraction n'est pas une absence de sujet mais une concentration pure d'énergie.

Ma peinture ne se regarde pas seulement, elle se ressent.

Je ne cherche pas à reproduire le monde visible mais à en saisir les vibrations qui le traversent. Tout comme je ne raconte pas une histoire linéaire, mais tente de toucher au vulnérable des émotions et des passions. Le tableau devient alors le miroir de paysages intérieurs, de fragments de souvenirs ou d'éclats de sentiments bruts …

C'est souvent par une immersion chromatique que la toile entre en résonance avec celui qui la regarde, l'invitant à un voyage sensoriel entre mystère des bleus abyssaux et énergie brute des rouges volcaniques.

En me libérant de la figuration je court-circuite l'analyse intellectuelle pour explorer la géographie de l'âme et célébrer le vivant dans ce qu'il a de plus impalpable.

"La peinture est une poésie qui se voit au lieu de se sentir et la poésie est une peinture qui se sent au lieu de se voir"

 l'Art est la preuve que la vie ne suffit pas (Cesare Pavese)

Patrice Poidevin (artmajeur.com) - patricepoidevin@hotmail.fr 

Tél: +33 7 81 74 05 74

Directeur de la Galerie Victor Hugo - Amboise